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Fatih Akin

Publicado: agosto 18, 2010 en Uncategorized

El cine se va nutriendo de muchas ideas y conceptos que se obligan a filtrar por muchas condiciones y productoras, y dinero, dinero, dinero. En el amplio universo del cine existen pocas veces las oportunidades de alienar toda posibilidad de montar un proyecto serio y digno para la industria. Pero ¿qué se necesita exactamente para hacer una película? Si le preguntáramos al director alemán de origen turco Fatih Akin, supongo que su primera respuesta sería – nada -. Y por qué. Bueno, porque el hombre tiene un talento y una capacidad para elaborar guiones e interpretarlos él mismo, que sus métodos de Cine Independiente, se han trasladado a la fórmula que cualquier cineasta desearía tener por mucho. Fatih Akin tiene una lista de productoras europeas que le piden trabajar con él bajos las condiciones que el director pida, y es bien sabido que Akin sabe manejar muy bien los bajos presupuestos ¿A qué productora no le encanta eso?

El joven director es muy hiperactivo, mantiene múltiples proyectos a la vez y aparte de ser un cineasta completo, es Dj, escritor, actor, fotógrafo y dueño de su propia productora. “Head On” – Contra la pared (2004) es tal vez su cinta más introductoria y premiada en todo el mundo

Cahit Tomrukes un cuarentón alemán de ascendencia turca, tremendamente deprimido por la muerte de su esposa Katharina; en una noche más de alcohol, cocaína, fastidio y depresión, decide chocar su automóvil con un muro; si la suerte le sonríe morirá al momento del impacto. Pero la suerte de Cahit no fue lograr su propia muerte, sólo quedar bastante golpeado y, en una vuelta del destino, en el lugar de rehabilitación para suicidas, es encontrado por una hermosa joven, alemana-turca como él, que también se había intentado suicidar cortándose las venas y que ve en él la posibilidad de escapar de su conservadora y represiva familia (donde su hermano hasta la golpea cuando la ve dándole la mano a un hombre) proponiéndole un matrimonio de conveniencia, como los que celebran los inmigrantes para legalizarse.

Cahit se esfuerza por mandarla al demonio y librarse de ella, no quiere su misma vida y aún menos andar cargando con la de alguien más, hasta que ella le demuestra y convence de que intentaría suicidarse de nuevo si no accede a su petición, que sólo quiere su ayuda para salvar su vida y felicidad y que él es el indicado sólo por ser también turco, no por nada más, porque su familia aceptaría sólo a alguien así; que no interferirá para nada en su vida y sólo serán compañeros de departamento. Así, por compasión a la pobre de Sibel, acepta no de muy buena gana, sin embargo, ahora tiene un motivo para seguir viviendo, ayudar a sobrellevar su vida, a su compañera de departamento, un poco menos alcohólica y cocainómana que él, pero mucho más promiscua.

La originalidad y sensibilidad del guión son maravillosas, hasta la banda sonora, que incluyen muy buen rock alternativo y música típica turca, maravillosamente seleccionada; frecuentemente se hacen cortes mostrando un ensamble musical turco al borde del mar en Estambul, con la catedral de Santa Sofía al fondo y tocando y cantando de acuerdo al desenvolvimiento de la trama.

Y por supuesto “The Edge of Heaven” – Al otro lado” (2007) premiada en Cannes como mejor guión. Ali Aksu es un anciano turco instalado en Alemania. Tras visitar en diversas ocasiones a una prostituta también turca, Yeter, le propone que abandone la prostitución y se vaya a vivir con él, prometiéndole que le pagará lo mismo que gana allí. Ella acepta tras ser amenazada por unos integristas islámicos turcos, que la amenazan con matarla si no deja de prostituirse. En casa de Ali conoce a Nejat, su hijo, profesor de literatura en la Universidad de Hamburgo. Esa misma noche, Ali sufre un infarto.

La muticulturalidad con la que profundiza Akin es de una sensibilidad y una inteligencia trágica; pero extrañamente amable y catártica. Sus guiones están construidos bajo un ensamble de perfección y el desarrollo de los personajes es de una narrativa franca y pura. Si Alemania se quiere jactar de tener buen cine actual, debe comenzar por Fatih Akin. Su nueva cinta “Soul Kitchen” es su primera cinta con tonos cómicos, esperemos se pueda encontrar pronto.

Vera Chytilová

Publicado: julio 13, 2010 en Culto, Uncategorized

Vera Chytilová es una de las piezas fundamentales del cine moderno. Considerada por muchos como una de las directoras más grandes del cine Checo, ha sido una de las más importantes figuras del siglo, ya sea por la manera en la que fue censurada, o por la forma tan peculiar de ver la estética y el naturalismo dentro del cine. Hay una forma muy especial en la que Vera ha logrado transformar sus cintas y porsupuesto, el estallido que tuvo en los noventa, y actualmente con la aparación de tres de sus cintas en DVD gracias a CAMEO.

Una cineasta experimental comprometida y feminista, autora de obras de contenido surrealista y alegórico, también político, uso de cámara en mano para realizar cinéma vérité, juegos visuales y cortes a tiempo real. Una seductora manera para invlocurar los colores dentro de sus secuencias, interpretaciones de una calidad fantástica y sobretodo la inteligencia para evadir una dictadura.

Vera Chytilová es una feminista incondicional, es conocida sobre todo por su película experimental Sedmikráski – Las margaritas (1966). Rica en juegos visuales, esta saga surrealista sigue las desventuras de una pareja de personajes antipáticos que se llaman las dos Marie. Imposible de definir, esta obra sigue siendo hoy un enigma cinematográfico.

Nacida en Ostrava en 1929, Chytilová estudió filosofía y arquitectura. Luego desempeñó una serie de trabajos, entre ellos modelo, delineante y chica de la claqueta antes de pasar por la Academia de Cine de Praga FAMU a la relativamente avanzada edad de 28 años, relativa porque era una joven en la edad perfecta. Estudiando con Otakar Vávra, realizó el corto El techo (1962) donde refleja su experiencia como modelo.

La primera película de Chytilová, Sobre mujeres diferentes (1963), centrada en una gimnasta y una ama de casa aburrida, le causó problemas con las autoridades soviéticas por criticar el papel de la mujer en la sociedad checa. La siguiente obra, la vanguardista Las margaritas (1966), consolidó su prestigio en el extranjero, pero provocó una vez más la condena de las autoridades de su país.

Tras la invasión soviética en 1968, las restricciones a la libertad de los cineastas se endurecieron. Aun así, Chytilová insistió en sus obras de contenido alegórico. Después de varios años sin trabajar, pudo realizar la película El juego de la manzana (1976), una historia feminista sobre una matrona rural, tras escribir una carta de súplica al presidente checo, Gustav Husák. Al producirse el colapso del comunismo a finales de los años ochenta, Chytilová tuvo la posibilidad de trabajar por fin con libertad, pero el final de la censura también supuso una fuerte reducción de las subvenciones estatales. Todavía activa a sus más de setenta años, su último trabajo ha sido el drama Hezké chvilky bez záruky (2006).

Es siempre un placer estar frente a una verdadera artista, que se ha preocupado por mantener su obra firme, que sus creencias han sido fuente de varias generaciones y que sobretodo, sigue trabajando.

Hay muy pocas veces en la historia del cine, en que la experimentación, la violencia, el mito, el desorden, lo mítico, el tabú, el arte, Dios, la religión y sobretodo lo conceptual y el momento cumbre de un artista visual; se juntan para lograr uno de los trabajos más impresionantes y brutales de las últimas décadas. Y me gustaría citar a Sol LeWitt “Los artistas conceptuales son antes místicos que racionalistas. Arriban a conclusiones ajenas a la lógica.” Es por eso que “Begotten, (1991) la cinta de horror experimental del gran E. Elias Merhige también director de las aclamadas “Shadow of the Vampire” y “Suspect zero” se ha convertido en uno de los momentos más terribles y enigmáticos de la historia del cine.

La película, aunque para poder hablar de ella y a modo de sentencia, tiene que verse obligatoriamente, y así intentar sacar conclusiones personales; se centra en gran medida con la religión y la historia bíblica de la Creación. Pero, como reveló Merhige, durante sesiones de Q & A, su principal inspiración fue una experiencia cercana a la muerte que tuvo cuando tenía 19 años después de un accidente de coche.

La película no cuenta con ningún diálogo, sino que utiliza más bien duras y sin concesiones imágenes de dolor y sufrimiento humano para así lograr contar su historia.  Fue filmada en la reversión del blanco y negro, y luego cada cuadro fue refotografiado para lograr esa mirada que se alcanza a niveles de anticuario perverso y de época parecida a la de los Lumiere, pero los Lumiere versión muerte. Los únicos colores son blancos y negros. No hay medias tintas. Con ello se pretende añadir una atmósfera misteriosa y oscura a la película, y como a veces el espectador no siempre puede distinguir exactamente qué se está demostrando, aún se puede inferir un sentido del sufrimiento y la tortura. Los toques expresionistas alientan a que la ficción es lo último que se está mirando.

El aspecto general se describe en el trailer como una prueba de Rorschach para el ojo. Merhige, dijo que por cada minuto de la película original, se tomó hasta 10 horas para volver a fotografiarla fuera por alcanzar el aspecto deseado.

Sobra lo bizarro, el culto y la amplía comprensión, logran un estado de pesadez y alucinación que se alcanza en un alarido de dolor y preguntas, es la confesión del hombre impregnado por sus peores pesadillas, ya sean bíblicas o psicológicas.

Hay muchas teorías que rondan a la cinta, y si bien la película no es fácilmente abordable por la falta de diálogo y la perceptible manera de agregar símbolos culturales que contienen referencias a varios mitos religiosos y paganos, la cinta es claramente una transcripción de la creación, del Dios que muere por “crear” y refundir sus últimas catarsis. Relativamente se encuentran elementos cristianos evidentes, la impregnación de la Madre Tierra por Dios, semejante a la impregnación de María por el Espíritu Santo. El mismo mito es en parte,  la mitología del antiguo Egipto, donde Isis se impregna con el pene del Dios Osiris muerto y da a luz a Horus.

Merhige también ha dirigido varios videos entre ellos uno fantástico de Marilyn Manson que vale la pena buscar.

…Pero sobran las palabras, siempre es mejor admirar y experimentar…

Frank Rikovicz

(La cinta completa se puede ver en YouTube)

Brillante Ma. Mendoza

Publicado: abril 6, 2010 en Uncategorized

Desde 1984 que no aparecía un director filipino de la talla de Brillante Ma. Mendoza. Tiene una seguridad irreductible al momento de elaborar y escribir sus filmes. La crudeza de sus historias narradas desde la más decadente forma social, se amplían hasta territorios inexplorados: la inmigración, la homosexualidad, la pornografía, la pobreza, el incesto, el asesinato, la locura y el terrorismo, son algunas de las tesis que Brillante Mendoza ha elaborado con delicadeza y con planos largos, con una nostalgia y una tristeza que se vuelven esa fórmula única para lograr tremendos cortes visuales y crudas escenas de lujuria y caos.

Las cintas de Mendoza son de contenido social, de aguerridas discusiones políticas y llenas de desencanto. Por varios años y a lo largo de su carrera, se ha concentrado en mostrar lo peor de la sociedad filipina, lo más abandonado de una sociedad en ruinas, como ya han hecho varios directores por sus países como Iñarritu o Meadows, Brillante Mendoza hace de cuenta que todo está mal y que aun así se persiste dentro de un enjambre de malas influencias y terribles condiciones de vida. No se alcanza la amoralidad como es de suponer, todo lo contrario, se funde una especie de fuerza interior en sus personajes, se saca la garra y se intenta, algunas veces se fracasa, quiero decir, todas las veces se fracasa y así su espíritu se desgasta entre toda esa porquería, ya no queda nada más por hacer.

En Serbis por ejemplo, la terrible angustia de aquél cine porno lleno de homosexuales y prostitutas es la cinta misma, no hay personaje más elaborado y sustancial que ese lugar lleno de mierda y semen, y en donde de todas maneras puede o sobrevive una familia entera que lleva ahí administrando eso por años. Las circunstancias llevan a una de las historias más grises y oscuras de nuestras sociedad, los outsiders de una ciudad como Los Angeles que fuera de su cometido principal como extranjeros, intentan formar parte de un mundo ya destrozado; el hijo que embaraza y se fuga, la prima enamorada del primo, el padre encarcelado, el tío homosexual esperando un hijo de su esposa, esta y muchas otras historias que unen a una de las familias más tristes y abrumadoras que haya visto en el cine.

Así es Brillante Ma. Mendoza, un artista sin prejuicios, sin pelos en la lengua, que te dice las cosas como son y que en un abrir y cerrar de ojos ya te generó un mal sabor de boca. Su particularidad para los planos y la cámara al hombro, vuelven el tono realista casi un documental ficción. Es el director más prometedor de su país en años y uno de los creadores más importantes en el mundo del cine actual.

Estudió bellas artes  en la Universidad de Santo Tomás en Manila. Comenzó su carrera como diseñador de producción en largometrajes, televisión, teatro y  finalmente, en la publicidad televisiva. En 2005 formó una pequeña producción independiente llamada Producciones Centerstage. CSP es un grupo de cineastas independientes que han traído honores al país a través de los largometrajes que han ganado varios premios y reconocimientos en este prestigioso festival de cine y en el extranjero.  Su primer largometraje “Masahista” realizado en 2005, ganó un Leopardo de Oro (co-ganador) en la sección de videos del Festival Internacional de Cine de Locarno en Suiza, así como el Premio Interreligioso en el 2006 Festival de Cine de Brisbane y el Premio del Público en Turín. Sus películas posteriores ganaron más premios internacionales importantes. “Manoro” (El maestro Aeta, 2006) ganó el CinemAvvenir en el Festival de cine de Turín 2006 y los premios de Mejor Película y Director en el 2006 Cinemanila. “Kaleldo” (Calor de verano) ganó el Premio Netpac en Jeonju 2007 y el Premio a la Mejor Actriz del 2007 en Durban. “Hijo de Crianza”  ganó el premio a la mejor actriz en Nueva Delhi 2007, Premio Especial del Jurado en Kazajstán 2007, el Premio Signis en Las Palmas de Gran Canaria 2008, mejor película y mejor actriz en Durban de 2008. “Tirador” ganó el Premio Especial del Jurado en Marrakech en 2007, Premio Caligari en el Festival de Berlín 2008.Se le dio a la Mejor Película, Director y premios Netpac en el 2008 Festival de Cine Internacional de Singapur. “Kinatay” ganó el premio al Mejor Director en el Festival de Cannes 2009. Serbis es una co-producción de las Filipinas y Francia. Ganó la financiación secuencia de comandos desde el Fondo Asiático de Cine del 2007 Pusan International Film Festiva, y participó en el 2008 en Hong Kong Foro de Cine Asiático de Financiación (FAH). Serbis estaba en la competición principal del Festival de Cannes 2008 convirtiéndose en la primera película filipina para competir desde 1984.

Brillante también fue invitado a ser un instructor en la Academia de Cine Asiático en Pusan, Corea del presente año.  Recientemente ganó el Premio al mejor director en el Festival de Cannes 2009 para la película Kinatay. Es el primer cineasta filipino en ganar un premio de Cannes. Su última cinta “Lola” también fue galardonada en Cannes y en numerosos festivales alrededor del mundo.

Frank Rikovicz

The Summer of Pawel Pawlikowski

Publicado: febrero 17, 2010 en Uncategorized

El polaco Pawel Pawlikowski ha ganado popularidad desde que ganó el BAFTA Award por la cinta Last Resort (2000) escrita y dirigida por él mismo, y My Summer of Love, vagamente basada en la novela de Helen Cross, que también ganó un premio BAFTA y una serie de otros premios en festivales de todo el mundo. A finales de 1980 y 90 Pawlikowski era mejor conocido por sus documentales, cuya única mezcla de lirismo e ironía le hizo ganar muchos fans y premios alrededor del mundo. Moscú Pietushki fue un viaje al mundo poético de la escritora rusa de culto Venedikt Erofeev, por la que ganó varios premios Emmy usando una estrategia en tiempo real.

El documental ganador de varios premios Dostoevsky’s Travels es una tragi-cómica “road movie” con el conductor de un tranvía de San Petersburgo y el único descendiente vivo de Fiodor Dostoievski. Mientras viaja en bruto en torno a una Europa occidental inquietante de altas miras humanistas, los aristócratas, los monárquicos y el casino de Baden Baden. En su búsqueda por recaudar dinero para comprar un Mercedes de segunda mano, se topa con varios descensos y aventuras, sin duda la película más original y exitosa de manera formal de Pawlikowski.

El absurdo documental Tripping with Zhirinovsky, es un viaje en barco por el Volga surrealista con los rusos de la dictadura. Pawlikowski ha ganado el premio Grierson al Mejor Documental Británico en 1995. La transición a la ficción se produjo en 1998 con una pequeña película de un minuto 50 Twockers, una historia de amor lírico y áspero ubicado en una finca en el fregadero de Yorkshire, que él co-escribió y co-dirigida con Ian Duncan. Entre 2004 y 2007 fue becario de Artes Creativas de la Universidad Oxford Brookes.

My Summer of Love (2004) narra la historia nostálgica de dos chicas en Yorkshire que se encuentran por primera vez cuando Tamsin, una niña rica y manipuladora sufre el abandono de sus padres. Polos opuestos se atraen, como las niñas provienen de orígenes muy diferentes y se reúnen bajo circunstancias muy distintas, el nuevo conjunto de conocidos, uniéndose a ellas un par de chicos, se marchan juntos, unos a caballo y la otra en un scooter sin motor. Las drogas, los recuerdos, la búsqueda infinita, el amor prohibido y la hermandad supuesta, es una de las bellas estampas con la que cuenta la cinta.

Una perturbación lésbica que va de aparente inocencia a una verdadera genialidad de amor y sueños. Es inevitable no mirar la cinta como un “amorío adolescente entre dos chicas” pero la paciencia y la capacidad de Pawlikowski, hacen de toda la historia una arriesgada y bella relación que conllevará a la tragedia inocente. Algunas veces hay una extraña oscuridad que se levanta a lo largo de la cinta, y aunque sea un verano de amor, se puede percibir que en cualquier momento pasará algo terrible, sensación que en general, tanto en el cine como en la literatura, es una de las mejores.

Mona, la chica pobre, genera una sensación de asco y abatida por el hecho de que ella ha utilizado como teatro todo el verano, deja un lugar especial para todos los personajes de la película. Al explicar las mentiras sobre la “muerte” dice en un tono lúgubre “Soy una fantasiosa, por el amor de Dios.” Y así fluye la historia; en un verano que de amor insensato abarca casi toda la idea general de la cinta, sin embargo se instala en todo momento una carga amoral que se lleva entre los pies a todos los personajes. La mentira y la muerte, el recuerdo constante, la sensación de que todo terminará en cualquier momento. Una cinta fantástica, de la mejores de la década y destinada a ser un clásico contemporáneo. Sin olvidar las fantásticas interpretaciones de Emily Blunt y el fabuloso Soundtrack a cargo de Goldfrapp.

My Summer of Love se estrenó por primera vez en el Festival de Cine de Edimburgo, en los EE.UU, la película fue inicialmente proyectada en el Festival Internacional de Cine de Seattle el 20 de mayo de 2005, The New York Times lo llamó “un triunfo del estado de ánimo y la implicación”  The Boston Globe, calificándolo de “un concepto en una serie de niveles, y lo describió como” confuso entre una película de “lesbianas artística” y “Criaturas Celestiales” el Sindicato de Directores de Gran Bretaña la premió a la mejor dirección de una película británica, la mejor película británica en el Nuevo Festival de Cine de Edimburgo, y el premio ALFS en el Círculo de Críticos de Londres Film Awards.

En palabas de Pawlikowski: “Si quería hacer una película sobre adolescentes británicos qué sería… Bueno, no me interesa, vamos a decirlo así. Estarían escuchando música que me gusta, verían la televisión todo el tiempo, y hablarían de Gran Hermano. Qué necesitaba para poder extraerlo, para llegar a la esencia de la adolescencia sin la parafernalia de hoy. En cierto modo estoy arrestado en mis emociones de los adolescentes, como la mayoría de nosotros creo que son, por lo que la película es muy personal, curiosamente, a pesar de ser acerca de dos niñas. Me identifico con Mona a un nivel saludable, así que lo principal era lograr que estas adolescentes, la clase de los adolescentes que pueden referirse a mí, fueran un poco más atemporales y eliminados a partir de ahora”

Michel Dorantes de Malliard

*No se encontraron trailers o fragmentos de los fabulosos documentales de Pawlikowski. Se recomienda bajar de algún buscador o de alguna página especializada.

Noah Baumbach

Publicado: febrero 3, 2010 en Uncategorized

Aparte de estar de moda entre los hipsters y ser un poco egocéntrico, es cierto que Noah Baumbach es uno de los escritores, directores y productores más originales y ensimismados de Hollywood. Y no es nada nuevo que un chico de Brooklyn de pronto se vuelva un artista consagrado y sea gran amigo de Wes Anderson, Bill Murray, Charlie Kauffman y compañía de “indies” que nos han dado tan agradables momentos en el cine actual; ya sea con guiones fabulosos como The Life Aquatic, Mr. Jeaulosy, Margot At The Wedding o The Squid And The Whale, y soundtracks tan memorables como el de Highball y Mr. Fantastic Fox, de la cual Baumbach adaptó el guión del cuento de Roald Dahl y está nominado al Óscar.

En fin, que aparte de ser un director independiente con todas sus letras, es un verdadero escritor y un director con visión profunda y delicados encuadres. La fuerza de sus cintas sin embargo, radica en la precisa construcción de sus personajes. Un inolvidable Steve Zissou por ejemplo, que acompañado de la maravillosa dirección de Anderson, logra una cinta que ha marcado a toda una generación.

La consagración como director que tuvo Baumbach, llegó con The Squid And The Whale (2005), producida por el mismo Wes Anderson, la cinta narra la historia semi-autobiográfica de dos chicos de Brooklyn que tienen que lidiar con el divorcio de sus padres en la década de los ochenta. La película lleva el nombre de un calamar gigante y el diorama de cachalotes que está en el Museo de Historia Natural. La película fue filmada en 16 mm, grabando la mayoría de las escenas con una cámara de mano. En el 2005 Sundance Film Festival; la película ganó los premios a la mejor dirección dramática y al mejor guión original, y fue nominado para el Gran Premio del Jurado. El New York Film Critics Circle, Los Angeles Film Critics Association y el National Board of Review votó al guión como de los mejores del año. Hay que mencionar el impecable soundtrack que cuenta con Lou Reed y The Cars entre otros.

Mr. Jeaulosy (1995) es una tremenda comedia romántica con toques “indies”. La interacción de los personajes y el guión estructurado a modo de novela, nos muestran como Baumbach se ha abierto a llevar a los personajes como salidas fáciles pero psicológicamente perturbadoras. De la misma forma que trabaja Kauffman a sus personajes, somnolientos e intelectualmente abiertos a la sensibilidad, pero amorales y confundidos.

Lo mismo sucede con Margot At The Wedding (2007) otra comedia con aires románticos, estereotipada por sus personajes que al mismo tiempo sufren y se consuelan entre ellos, buscando el consejo pero rechazando las señales obvias hasta alcanzar cierto aire de locura y desamor general.

Noah Baumbach es parte de la Nueva Generación de directores que Hollywood ha sabido tratar bien, directores a los que las productoras les dan ciertas libertades porque su target está muy definido por la gente en general joven y alternativa a las cintas comerciales. Es interesante ver cómo se ha cosechado este cine y a pasado de la violencia tipo Tarantino, a la elegancia y al romanticismo, que son más sugerentes y estimulantes. Sabios melómanos que nos llenan de atmosferas con sus impecables soundtracks y sus suaves historias siempre editadas a delicada pluma.

Su nueva cinta Greenberg, se estrena pronto protagonizada por Ben Stiller. Habrá que estar listos.

Salomón Nataniel




Carl Theodor Dreyer

Publicado: enero 28, 2010 en Uncategorized

Sólo he visto tres películas de Dreyer: Vampyr, Ordet y Gertrud. Y no me cabe la menor duda de que Ordet “La palabra” (1955) es una de las obras de arte más asombrosas que jamás se hayan hecho. La cinta fue expuesta en un homenaje al director danés que organizó la Embajada de Dinamarca en el Thyssen Museum y fue ahí donde tuve la gran oportunidad de verla. En un bellísimo blanco y negro, la luz y el detalle en los rostros y los objetos que juegan un papel básico en los espacios y los encuadres, recordándonos la pintura flamenca, arte admirado por Dreyer, con el que comparte el convencimiento de que, en los interiores, se consigue mayor dramatismo, y en ambos la quietud de su figuración nos enfrenta inevitablemente a la idea de la muerte. Es considerada una las cumbres del cine europeo de todos los tiempos. Ganó el León de Oro de Venecia en 1955.

“La palabra” supone la culminación del lenguaje cinematográfico de Dreyer, distanciado de un cine convencional que nunca entendió. La película narra un suceso excepcional en la vida de la familia de un viejo granjero danés, a principios del siglo XX; en un hermético mundo de inamovible temor de Dios, chocan las diferentes actitudes ante la fe, liberándose conjuntamente al producirse el hecho milagroso del final.

Más cercano a las artes plásticas que a la pura narración de historias, Dreyer plantea esta película como un torrente de espiritualidad, rodeándola de un ambiente místico en el que se interesa por tratar, por encima de todo, la inseguridad del individuo ante los caprichos de la fe y de la razón.

En la película de Carlos Reygadas “Luz Silenciosa” la escena final es tan similar a la de la cinta de Dreyer que la crítica se preguntó si era un homenaje al director o una simple copia; vale la pena mirar las dos cintas y crear una opinión.

Carl Theodor Dreyer hizo varios de los clásicos del cine internacional, renovó la estética y el convencionalismo dentro del cine para crear verdaderas piezas llenas de sensaciones y perfeccionismo, a tal grado que llegó a repetir escenas por que el curso de las nubes iba en la dirección incorrecta a la que él quería en ese momento. Su fidelidad a su vocación y gran pasión y el cine como expresión artística, hicieron que sólo hiciera las películas que pensaba debía hacer y cómo debía hacerlas.

Vampyr (1932) es una meditación surrealista sobre el miedo. La lógica cede el paso a las emociones y a la atmósfera en esta historia, en la que un hombre protege a dos hermanas de un vampiro. El filme contiene muchas imágenes inolvidables, como aquélla del héroe que sueña con su propio enterramiento, y aquélla otra del animal sediento de sangre sobre el rostro de una de las hermanas, mientras ésta se encuentra secuestrada bajo el encantamiento del vampiro. La película era originariamente muda, pero le fueron añadidos diálogos hablados mediante doblaje.

Si bien su carrera duró 50 años, desde los años 1910 hasta los años 1960, su vanidad, sus métodos dictatoriales, la idiosincrasia de su estilo y la obstinada devoción por su propio arte hicieron que su producción resultase menos prolífica de lo que hubiese podido esperarse. De hecho prefirió la calidad a la cantidad.

Frank Rikovicz